Mensajes




Siempre ando con el móvil


Lo que tú quieras oír (2005, Guillermo Zapata) nos cuestiona el triángulo de la comunicación, compuesto por emisor-receptor-mensaje. Antes de continuar, vale la pena comentar que este es el vídeo español más popular de Youtube, con más de 150.000 visitas. El director de este film independiente, el joven cineasta y guionista Guillermo Zapata, decidió subirlo a la red con la licencia creative commons (que permite copiarlo, distribuirlo o mostrarlo) y se hizo el milagro. El cortometraje trata a través de una historia sentimental los cambios en los dispositivos de comunicación entre el siglo XX y el XXI, ya que en el film se alterna el uso del teléfono móvil con el teléfono fijo, el contestador automático y el buzón de voz. Hablamos del final de los noventa y los primeros años del 2000, cuando no existía el iPhone y en las casas todavía no todos teníamos acceso a Internet y conexión Wi-Fi. Hoy ya no podemos prescindir de la fidelidad inalámbrica, las redes sociales o whatsapp. 

Al llegar a casa, lo primero era 
escuchar los mensajes

Todo empieza cuando Sofía, una joven maestra de preescolar, llega a casa y pone en marcha su contestador automático, donde hay un mensaje grabado. Esto es algo que, antes de la existencia de los buzones de voz y la expansión de la tecnología digital, hacíamos todos casi sin darnos cuenta, como un acto reflejo: llegar a casa, pulsar una tecla y escuchar mensajes. Podríamos decir que, aunque no éramos nativos digitales, sí éramos bastante tecnológicos.

Te abandono

El mensaje grabado en el contestador automático no es agradable para Sofía, se trata de una mala noticia y ella no la encaja muy bien. De hecho se queda de piedra cuando escucha la voz de su novio anunciándole que la abandona, que ya no quiere volver a verla nunca. Precisamente, minutos antes Sofía había compartido en su teléfono móvil con una amiga la ilusión que le hacía preparar una cena romántica para Miguel. En este corto una tecnología casi obsoleta -el teléfono fijo- trae disgustos a la protagonista, y la tecnología avanzada -el teléfono móvil- la amistad y el apoyo. El shock que recibe Sofía le sume en una depresión que supera ideando una estrategia muy personal: "¿y si me quedo con las partes que me gustan de este mensaje, y elimino las que no?" Es verdad que trastocar el mensaje no respetaría la intención de su emisor y tampoco la realidad, pero a estas alturas de la película a Sofía poco le importa. Al transformar las palabras de abandono en una declaración de amor, Sofía se instala en una ficción que le da energías para decir "no".

Entre el mundo narrado y el mundo comentado

EN CLASE DE ESPAÑOL
Al trasladar mensajes de una persona a otra solemos cambiar muchos aspectos del original. En principio, utilizamos verbos de comunicación como "se dice", "se comenta" o "se rumorea" en el caso en que no haga falta referirnos al emisor del mensaje y sea suficiente la impersonalidad. También alteramos los pronombres, y si nos dicen "te quiero"(en primera persona), nosotros lo contamos de la siguiente forma: "dice que me quiere" (él o ella, claro). Es lo que llamamos en español estilo indirecto, y cuando se trata de comunicación y mensajes (en buzones de voz, SMS, correo electrónico) ponemos en marcha el dispositivo lingüístico que nos permite distinguir entre el mundo narrado y el mundo comentado, tal y como determinaba el lingüista alemán Harald Weinrich al hablar de los distintos modos de representar la realidad.
En el film Lo que tú quieras oír el mensaje del contestador automático es el eje alrededor del cual se construyen los ocho minutos del cortometraje. La protagonista, Sofía, pasa horas escuchándolo, dándole vueltas, transformándolo. Es una metáfora del poder de la comunicación y la mensajería en el siglo XXI, donde los jóvenes pasan horas intercambiándose textos a tiempo real a través de dispositivos digitales haciendo de esta actividad el centro de su vida.

A romantic dinner, alone

Tout commence lorsque Sofia, une jeune maîtresse, arrive à sa maison et elle écoute son répondeur automatique, où y a seulement un message enregistré. Le message enregistré dans le répondeur ne plait pas Sofia, il s'agit d'une mauvaise nouvelle. La fille écoute la voix de son fiancé en lui annonçant que l'abandonne, qu'il ne veut pas la voir à nouveau jamais. Précisément, minutes avant Sofia avait parlé avec une amie de qu'elle voulait préparer un dîner romantique pour Miguel.

Everything happens when Sofia, a youngster kid's teacher, arrives at home and sets up his answering machine, where there is a message recorded. The message recorded in the answering machine is not pleasant for Sofia, it talks about bad news. The girl listens the voice of her boyfriend announcing that he doesn't love her, that he doesn't want to see her never. Precisely, minutes before Sofia had talked in his mobile telephone with a friend about her dream of having a romantic dinner with Miguel.

Ganar la partida

Dos mujeres que apuestan por ganar

En la película Siete mesas de billar francés (2007, Gracia Querejeta) se presenta una historia emocionante, la de dos mujeres que se lanzan al juego de la vida. Los premios ganados por las actrices de esta gran película lo dicen todo, ya que el film obtuvo en el Festival de Cine de San Sebastián la Concha de Plata a la Mejor Actriz (Blanca Portillo) y el Premio Goya a la Mejor Actriz Protagonista (Maribel Verdú).

La hija y la segunda esposa del recién fallecido Leo se juntan -y conocen- al organizar su sepelio, ambas deben ponerse de acuerdo en todo, cuando todavía viven el shock de su pérdida. Bajo los efectos del dolor, piensan que es posible continuar juntas como socias el negocio del Salón de juego de billar de Leo, del cual ahora son propietarias. Para revitalizar este antiguo establecimiento, el reto que se impone es formar un equipo de jugadores para participar en torneos y para ello buscan a jugadores profesionales de billar que, no por casualidad, resulta que son los mejores amigos de Leo.

Asumir riesgos para lograr lo que deseamos

Como es bien sabido, en el amor y en el juego hay que asumir riesgos para ganar la partida. En Siete mesas de billar francés las protagonistas luchan contra dos importantes obstáculos: el desánimo tras la muerte de Leo, y también su propio temperamento. A medida que avanza la película descubrimos a través de estas mujeres la auténtica personalidad de Leo: duro, severo, intratable. A causa de su influencia, las dos mujeres han perdido en el amor, pero ahora quieren tomarse la revancha y una segunda oportunidad a través de un juego que requiere gran destreza y habilidad, el billar francés. Las carambolas que producen sobre el verde tapete de juego son una metáfora de los choques y reencuentros que profundizan los sentimientos que se van fraguando entre estas dos mujeres luchadoras.

Ángela y Charo, las protagonistas de Siete mesas de billar francés, terminan formando equipo. Juntas unen sus fuerzas para sacar adelante el Salón de juegos y trazar el nuevo rumbo de sus relaciones sentimentales, Ángela con el padre de su hijo y Charo con su nueva pareja.

Mi productor, sobre todo mi padre

EN CLASE DE ESPAÑOL
En películas como Siete mesas de billar francés se muestra la importancia que tiene en el universo de la directora Gracia Querejeta la familia y las relaciones afectivas, familias a veces desestructuradas pero con sentimientos muy intensos. Los vínculos familiares perduran después de la muerte. La figura del padre es tradicionalmente el eje alrededor del cual se estructura nuestra sociedad, nuestra cultura, "padre" (papá) es la primera palabra que pronunciamos en nuestra lengua materna. Este film nos ofrece una magnífica oportunidad para reflexionar sobre la herencia que nos dejan nuestros padres, sobre los valores que se traspasan de generación en generación y que conforman los cimientos de nuestra identidad.

Homenaje a Alfred Hitchcock

Psicosis, la madre

Somos muchos los admiradores de Alfred Hitchcock, el gran maestro del suspense. El cortometraje Tercero B (2002, José Mari Goenaga) es un thriller en el que muchas escenas rinden homenaje al magnífico cineasta británico. Cuando empieza el cortometraje, ya la banda sonora nos trae ecos muy claros e inconfundibles de aquellos violines entrecortados de títulos tan célebres como Psicosis, su obra maestra, y también Los pájaros o Marnie la ladrona.

Otra cita evidente es la personalidad posesiva y manipuladora de uno de los personajes principales de Tercero B, como en los clásicos de Hitchcock. Hablamos de la madre de la joven protagonista, una mujer intransigente y controladora, cuya psicología obsesiva, sádica y dominadora es el elemento desencadenante de la trama. La joven vive en un ambiente afixiante en una casa oscura, tenebrosa, donde la presencia de la madre impide hacer cualquier movimiento que no sea objeto de censura. Para esta chica solitaria un baño en la playa es la mejor válvula de escape (para "refrescarse" de su angustia), pero cuando llega allí duda entre dejar su bolsa con unos jóvenes de aspecto desaliñado o con un hombre bien vestido que lee el periódico. Los prejuicios llevan a la chica a preferir al hombre aparentemente honesto para guardar sus cosas... y en este error empieza su pesadilla.

Lo parece, pero ni es Tippy Hedren, ni Grace Kelly, 
ni tampoco Janet Leigh, las musas del suspense

Este cortometraje ha sido ganador de 45 premios nacionales e internacionales, ya que es un brillante ejercicio de estilo en el cual sobresale un montaje excepcional. El ritmo de las escenas de Tercero B es trepidante, los primeros planos de la joven protagonista y el hombre a quien entregó su bolsa en la playa se suceden en cross-cutting, de forma paralela. La tensión va subiendo in crescendo cuando el hombre de la playa localiza la dirección de la joven y entra en la casa. Nadie podía imaginar que sus intenciones eran tan malas, pero en la casa se encontrará de bruces con un suceso tan inesperado como macabro.

Un duelo a muerte,
entre un maniaco y ... ¿una víctima?

El duelo entre la joven y el hombre es feroz y despiadado. Ambos se baten a muerte en el lúgubre y desolado piso, donde yace la madre muerta en un tétrico salón. Pero... ¿quién ha cometido este crimen? El montaje de historias que ocurren de forma simultánea nos permite ver los dos puntos de vista de los antagonistas, por ello sabemos que el homicida no había sido el maniaco de la playa... sino la propia hija (su personalidad está tan trastornada como la de Norman Bates en Psicosis). La alargada sombra del crimen se proyecta en todo el espacio de la casa, haciendo de este lugar otro auténtico protagonista: el piso, el "Tercero B" que da título al corto es otro desequilibrado personaje más (es estrecho, alargado, obliga a los personajes a pelearse), un espacio que conocemos gracias a los excelentes travelling del pasillo. La vuelta de tuerca de este magnífico thriller es que en este film nadie está libre de ser perverso: la madre por su crueldad, el hombre de la playa por su mentira y la hija por su venganza.

No es Norman Bates

EN CLASE DE ESPAÑOL
Los thriller nos permiten trabajar en clase el tema de las apariencias. En Tercero B podemos proponer la reflexión sobre la relación entre nuestras elecciones y nuestros prejuicios, hasta qué punto las ideas preconcebidas por los estereotipos sociales nos pueden llevar a hacer una mala interpretación de la situación de comunicación y de nuestros interlocutores. En español hay muchos proverbios como "las apariencias engañan", "guárdate del agua mansa", "caras vemos, corazones no sabemos", "cómo te ven te tratan", "el león no es como lo pintan", a través de los cuales la sabiduría popular nos advierte del riesgo de no pensar por nosotros mismos y la necesidad de estimular más la empatía con quien hablamos, saber identificar las intenciones de los demás. Y es que, como en la vida misma, en Tercero B nadie es lo que parece.

Tercero B est un hommage à Alfred Hichcock. Une jeune femme habite dans une maison obscure, ténébreuse, où la présence de la mère empêche faire n'importe quel mouvement, la mère a un très mauvais caractère. Pour cette fille solitaire un bain dans la plage est la meilleure façon d'échapper à la réalité (elle a besoin de s'eloigner de son angoisse). Mais lorsqu'elle arrive à la plage, elle doute entre laisser son sac avec quelques jeunes d'aspect négligé ou avec un homme bien habillé qui lit le journal. À cause des préjugés, la femme préfère l'homme apparemment honnête pour garder son sac... Et dans cette erreur commence son cauchemar.

Tercero B is a homage to Alfred Hichcock. One young woman lives in a dark house, where her mother makes their lives insufferable, full of a deep pain. For this solitary girl a bathroom in the beach is the best way to forget her problems (to take care of her anxiety). When she arrives, she doubts between leaving her bag with some youngsters of bad appearance or with a very well dressed man that reads the newspaper. Because of the prejudices, the girl prefers the apparently honest man to save her things... And in this error begins her nightmare.

Un año de cine

Primer Post

CINENCLASE cumple su primer año en la red, y las más de 6.000 visitas a este blog son el mejor regalo de un aniversario en el que el balance es más que positivo: más de cincuenta películas y propuestas didácticas, actividades sobre cultura cinematográfica española, homenajes, noticias, Cine Fórum, imágenes de cine, una lista de nuevos followers que sigue aumentando, interacciones en Facebook y Twitter. Gracias a vuestro interés seguimos adelante, ofreciendo contenidos en los que el tándem cine-didáctica os va a aportar reflexiones útiles y sugerentes en muchos sentidos.

Os invitamos a una cita de Frases de Cine:
"No sabemos a qué nos enfrentamos, pero es más fácil que sobrevivamos si peleamos juntos"
Russell Crowe (Gladiator)  

Psiquiatría y cine

Un psiquiatra ante un extraño caso

Solemos decir que "vivimos soñando" cuando traemos a la realidad nuestros sueños, al estar en este mundo con los ojos bien abiertos pero con la mente muy lejos, refugiados en nuestras quimeras. El soñador (Óskar Santos, 2004) es un cortometraje en el cual el planteamiento es, precisamente, el inverso: se aborda el tema de aquellas personas que dejan de interesarse por la vida real y se trasladan al mundo onírico, optan por dormir como una actividad vital central que experimentan intensamente con los ojos cerrados.




Think-aloud protocol, pensar en voz alta

En El soñador se cuenta una historia en primera persona, la del psiquiatra que atiende el insólito caso del noble Don Diego de Robledo, un joven viudo que sufre un grave trastorno neurológico que se expresa en ataques de narcolepsia con profunda somnolencia y alucinaciones entre la vigilia y el sueño. Don Guillermo Rivas escribe en su diario su curiosa experiencia médica y su voz, a modo de los thinking-aloud protocols (informes orales en los que los profesionales registran lo que piensan en voz alta), nos va envolviendo hipnóticamente en la historia. El psiquiatra acaba autoanalizándose a través de las entrevistas con su paciente en los periodos, cada vez más escasos, en que está despierto (ya que Don Diego llega a pasar más de tres días seguidos durmiendo).

Siempre he estado ahí, sólo hay que querer verme

En su introspección, Don Guillermo Rivas termina identificándose con Don Diego: ambos han perdido a sus seres más queridos y no han podido superarlo, el paciente a su esposa recién casada, y el médico a su hija cuando aún era una niña pequeña. Si bien Don Diego se refugia en los sueños -donde dice encontrarse con su esposa fallecida-, Don Guillermo no puede conciliar el sueño, sufre insomnio desde que murió su hija y vive sumido en su recuerdo. En el cortometraje, las imágenes de las conversaciones entre médico y paciente están envueltas en un rotundo halo de romanticismo, los frecuentes planos medios nos presentan a dos hombres unidos por un mismo desapego por el mundo. Es por ello que comprendemos perfectamente su complicidad a la hora de sabotear el proyecto del hermano de Don Diego, que pretende internarle en un manicomio para quedarse con la herencia familiar. El psiquiatra y el paciente trazan un plan para dar la espalda, definitivamente, a la realidad.




Bostezar en la vigilia,
pero sonreír en el sueño

EN CLASE DE ESPAÑOL
Resulta interesante reflexionar sobre los sueños y su trascendencia. Contar un sueño puede ser una actividad importante para conocernos a nosotros mismos, desde Sigmund Freud accedemos a nuestro inconsciente a través de los sueños. En español el campo semántico de los sueños es muy amplio y nos permite practicar la sufijación (somnolencia, insomnio, soñar, soñador, ensoñación); por otra parte, cuando contamos un sueño a otra persona lo hacemos en pasado, en pretérito imperfecto, como si fuera una acción que dura en el tiempo ("soñé que estaba cayendo hacia un fondo oscuro y no podía hacer nada...").
La interpretación de los sueños también está sujeta a valores culturales, no sólo a patrones psicoanalíticos, y es interesante escuchar a las personas interpretar nuestros sueños porque cada individuo lo hará de acuerdo a sus referentes culturales. Soñar con serpientes, el agua, el fuego, con volar, correr, son símbolos oníricos frecuentes que pueden ser interpretados de forma positiva o negativa según las culturas. En español, para expresar hipótesis utilizamos expresiones diversas como "a lo mejor", "quizás", "tal vez" (de ahí que podamos decir "tu sueño con volar a lo mejor significa que deseas cambiar algo en tu vida").

El soñador es un cortometraje inspirado en el universo onírico de Alejandro Amenábar, su colaborador Óskar Santos ha sabido expresar en este film una lírica mezcla de la realidad y el sueño, subrayando la fina línea que separa la vida de la muerte que caracteriza el cine fantástico.

Para saber más sobre la relación del cine y la medicina te recomendamos leer este artículo de la Revista Medicina y Cine de la Universidad de Salamanca.

Dreamer

El soñador raconte une histoire en première personne, l'histoire du psychiatre qui étudie l'insolite cas de l'aristocrate Monsieur Diego de Robledo, un jeune veuf qui souffre un grave trouble neurologique qui s'exprime en des attaques de profonde narcolepsie et hallucinations entre la veille et le rêve. Monsieur Guillermo Rivas écrit dans son carnet de médecin sa curieuse expérience médicale et sa voix, à la façon des thinking-aloud protocols (rapports oraux dans lesquels les professionnels enregistrent ce qu'ils pensent en haute voix), nous hypnotise. Le psychiatre fait son auto-analyse à travers les entretiens avec son patient dans les périodes, de plus en plus rares, dans qu'il est réveillé (puisque Monsieur Diego arrive à passer plus de trois jours suivis en dormant).

El soñador explains a history in first person, the one of the psychiatrist that attends the unusual case of the aristocrat Don Diego of Robledo, a widowed youngster that suffers a grave neuralgic disorder with narcolepsy attacks and hallucinations between the wakefulness and the dream. Don Guillermo Rivas writes in his newspaper his curious medical experience and his voice, in the way of the thinking-aloud protocols (oral reports in which the professionals register what they think in high voice), hypnotize us. The psychiatrist makes a self analysis through the interviews with his patient in the periods, increasingly scarce, in that he is awake (because Don Diego arrives to happen more than three days followed sleeping).

Cine Fórum: la comedia como terapia

Caricatura de un drama 

La película Nacidas para sufrir (Miguel Albadalejo, 2009) va a ser el centro de nuestra próxima sesión de Cine Fórum de mayo (y última de este año académico).
Esta comedia presenta un drama, el del miedo a la soledad. En España, son especialmente las personas de la tercera edad las que se suelen enfrentar a este sentimiento, puesto que muchos ancianos se ven sin familia en el último tramo de su vida al ser abandonados por sus parientes (no siendo así en otras culturas, en las cuales las personas mayores mantienen su estatus de patriarcas o sabios). La protagonista de Nacidas para sufrir encuentra una solución un tanto atípica, pero no original, para estar acompañada en su jubilación. Y, atención, decimos nada original porque tanto el matrimonio entre personas del mismo sexo como el de conveniencia son actos frecuentes en nuestra sociedad. Tampoco es raro encontrar, por ejemplo, que un anciano se case con la asistenta doméstica que se ha hecho cargo de él durante una enfermedad o un periodo de incapacidad... pero ¿y si se trata de una anciana y su asistenta? ¿está más justificada la unión, aunque ambas estén de acuerdo? El choque cultural está servido.


Hasta que la muerte nos separe

Para no desvelar aquí todas las claves de esta historia, nos gustaría subrayar que las escenas más logradas son las del trío de sobrinas -encabezado por Mariola Fuentes- cuyas intervenciones corales aportan mucha "sal" al film. También resulta caricaturesco el dúo formado por Petra Martínez y Adriana Ozores, con momentos en los que la imagen vale más que mil palabras (como cuando la extraña pareja está segando en la pradera y la guadaña parece un personaje más).

Cine Fórum en el Instituto Cervantes de Tetuán, lunes 27 de mayo de 2013 (previsionado a las 17h30, visionado a las 19h00).
Para ver una escena de esta película HAZ CLICK AQUÍ.

Cine quinqui

La otra cara de la transición:
la desigualdad y la exclusión social

Las aventuras de jóvenes delincuentes fueron el centro de atención del Cine quinqui (o cine kinki), que durante los años 70 y 80 en España mostró la otra cara de la transición. En aquella época, la inestabilidad política y la inseguridad ciudadana iban de la mano y el público de la televisión se acercaba a los líderes políticos en los informativos y programas como "Informe semanal", mientras que el cine nos presentaba en primer plano a excluidos de la sociedad como "El torete" o el "El vaquilla". El Cine quinqui fue desarrollado por directores como José Antonio de la Loma (Perros callejeros) y Eloy de la Iglesia (El Pico), a quienes debemos muchas escenas memorables e imprescindibles de nuestra historia social reciente.




Un estanco no lo tiene cualquiera, tampoco
una administración de lotería, son un seguro de vida

En la película La estanquera de Vallecas (Eloy de la Iglesia, 1987) se reúnen muchos de los elementos que caracterizaron el Cine quinqui español de los años 70 y 80: la delincuencia, la droga y la exclusión social en primera persona, a través del punto de vista de los delincuentes como protagonistas totales. Así, en La estanquera de Vallecas -que está basada en la obra teatral homónima de José Luis Alonso de Santos (1981)- se nos presenta una historia en la cual la delincuencia está al servicio de la crítica social: Leandro y Tocho, albañiles que se han quedado en paro, deciden atracar un estanco para dar de comer a sus familias con el botín. Leandro y Tocho toman como rehenes a la estanquera y su sobrina Ángeles, pero entre los cuatro surge una simpatía inesperada, ¿será por conciencia de clase, a pesar de la situación?

Pues nos estamos cayendo bien

En La estanquera de Vallecas se pone sobre el tapete un problema que todavía no se ha resuelto, el de la fractura social y falta de diálogo fluido entre las clases sociales y el poder (políticos, fuerzas de seguridad, élites financieras), ya que hoy en día las conquistas a través de las cuales había conseguido afianzarse en España la clase media se están cayendo ante nuestros ojos como un castillo de naipes. Es por ello que los personajes son cercanos y de plena actualidad, aunque el telón de fondo de las drogas duras, las persecuciones en coches Seat y las camisas desabrochadas a medio pecho hayan pasado a definir sólo esta época del siglo pasado, como la voz rasgada de Patxi Andión cuya canción es la banda sonora del film.

EN CLASE DE ESPAÑOL

¡Menudo Síndrome de Estocolmo!

La estanquera de Vallecas nos permite presentar en clase muchos ejemplos de un lenguaje coloquial que todavía está en uso: "la madera", "la pasma", "los picoletos" (policía), "rajarse" (arrepentirse), "cortarse un pelo"(quedarse parado), "ir al trullo" (a la cárcel), "pegar un palo" (robar), "el tajo", "el curro"(el trabajo), "un currela"(un trabajador). Muchas de estas palabras y expresiones, que proceden en su mayoría del caló (habla gitana), han pasado a nuestro lenguaje cotidiano.
También es interesante reflexionar en clase gracias a La estanquera de Vallecas sobre la evolución de la sociedad española, que después del franquismo conoció dos décadas de profundas transformaciones sociales en todos los ámbitos. La transición es un periodo bien conocido desde el punto de vista de la política o de expresiones artísticas populares como "la movida madrileña". No obstante, no podemos olvidar otros aspectos que, aunque nada lúdicos o alegres, no fueron menos visibles y conocidos por todos los españoles.
Son especialmente interesantes en clase las primeras escenas de La estanquera de Vallecas, el visionado de la llegada de Leandro y Tocho en metro a la plaza de Vallecas y su entrada en el estanco merecen la pena, para ver la película HAZ CLICK AQUÍ.