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miércoles, 4 de noviembre de 2020

Protagonista: la muerte

 

Diálogo con la muerte

Hay clásicos del cine universal en los que la muerte es la protagonista de la gran pantalla. Recordemos la célebre partida de ajedrez en El séptimo sello (Ingman Bergman, 1957), que se desarrolla durante la peste negra en la Europa medieval. En este film se entrecruzaban el plano real y el alegórico, la finalidad era contar la historia fantástica de un caballero de las Cruzadas -interpretado por Max Von Sydow- que buscaba respuesta a la existencia de Dios y el sentido de su vida. También en Ordet ("La palabra", de Carl Theodor Dreyer, 1955), la joven Inger muerta tras un parto, resucita milagrosamente después de que su hija se lo pida a Dios.

 

Para mí solo, una plegaria premonitoria

El film Macario (Roberto Gavaldón, 1960) es uno de los grandes títulos del cine mexicano, en él vemos en primer plano a la muerte en diálogo con un humilde leñador. Esta película se ambienta en la época del Virreinato de la Nueva España, durante el siglo XVIII en la víspera del Día de los Muertos. Macario narra la historia de un pobre aldeano que a duras penas saca adelante a su familia, un día expresa a su mujer el deseo de comerse él solo un pavo sin compartirlo con nadie. Lejos del egoísmo, el deseo de Macario se acerca más al anhelo de un minuto en su vida sin sufrir por la subsistencia. La mujer roba un pavo para su marido en la granja de una familia rica y este acto desencadena un extraordinario relato fantástico, basado en conocidas fuentes literarias como la novela de Bruno Traven y el cuento "La muerte madrina" de los Hermanos Grimm.

 

Más allá de la superstición, lo ultraterrenal

Más allá de la fantasía, Macario es también una narración fabulesca en la cual los espectadores vamos a recibir una lección moral. Al alejarse de su familia para comer solo, Macario se encuentra con 3 enigmáticas personalidades: el Diablo, Dios y la Muerte. El humilde vendedor de leña decide compartir con esta última su banquete solitario, y a cambio ella, agradecida, le entrega un agua curativa que le ayudará a mejorar su situación económica. Nos podemos preguntar porqué Macario comparte con la Muerte su comida, y deja fuera a Dios y al Diablo. En cierto modo, la Muerte se presenta en el film como un elemento catalizador de un recorrido personal, un proceso espiritual de descubrimiento del valor de compartir (un alimento, un destino, un don).  Macario adquiere la facultad de curar y se consagra a los pobres, pero su éxito despierta la envidia del médico local. Las autoridades destruyen el líquido milagroso que la Muerte había entregado a Macario, poniendo en evidencia la opresión que sufren las clases populares. En este contexto, la Muerte no se define como un personaje macabro, sino misterioso e impredecible.


La vanidad de la existencia
El film está construido a partir de imágenes y escenas neorrealistas, mostrando las condiciones auténticas de la sociedad a través de los rostros de personajes sencillos, extraidos de la vida real, cuidadosas localizaciones y largos planos secuencia (como aquellos en los que se muestran los elementos del folklore nacional mexicano con su particular iconografía). La linealidad argumental se combina con las luces y sombras del cine en blanco y negro, construyendo un relato onírico lleno de alegorías. En Macario se propone, a través de fotogramas de gran plasticidad y textura, que nuestras almas son como velas que se van consumiendo a lo largo de la vida, y que solo alcanzan sentido al mantener viva su llama. La escena de las grutas es la más reconocida de la película.


El Diablo

La metáfora del sueño de Macario nos remite al topoi petrarquista de la vida como un momento pasajero, una ilusión, una breve pieza de teatro cuyo director es Dios. El film termina regresando donde Macario había compartido su pavo con la Muerte. El indígena es encontrado en el bosque pacíficamente muerto, como dormido, junto a un gualojote dividido en dos mitades, una parte ya comida y la otra sin tocar. Asimismo, la tradición romántica de la "muerte dulce" (porque la persona que fallece no sufre), en este largometraje es un elemento final impactante, una epifanía o revelación característica del realismo mágico. De ahí que el espectador se pregunte si todo el relato fílmico responde a una ensoñación de Macario previa a su partida al Reino del Señor.


Le film Macario est l'un des grands titres du cinéma mexicain, on y voit la mort au premier plan en dialogue avec un humble bûcheron.

The film Macario is one of the great titles of Mexican cinema, in it we see death in the foreground in dialogue with a humble woodcutter.

PREMIOS

Festival de Cannes, Nominada a la Palma de Oro (Mejor Película) 

Premio Golden Gate Festival de Cine de San Francisco (Mejor Actor)

Nominada al Óscar (Mejor Película de habla no inglesa)

sábado, 19 de octubre de 2019

Parábola

"Os acuso, porque yo nací"

Zain Al Hajj es un niño de 12 años que ante un juez demanda a sus padres, por haberle abandonado a su suerte. También les reprocha tener muchos hijos y no hacerse cargo de ellos. Desde muy pequeño, Zain se ha visto obligado a deambular por los suburbios de Beirut. Esta es la historia que se cuenta en Cafarnaún (Nadine Labaki, 2018), un largometraje cuyo título nos anuncia una parábola que va a tener lugar en la ciudad santa. Cafarnaún parece un documental, ya que la historia de Zaín se narra con un realismo que provoca gran emoción en el espectador. El niño es muy inteligente, tiene una gran capacidad de afrontar la miseria desde sus recursos infantiles, y nos muestra que la desgracia puede tener como contrapartida la salvación.

Sin protección, sin amparo, sin esperanza

De hecho, Zain se hace cargo de Yonas, el bebé de una joven emigrante etíope que es arrestada por no tener documentos. Zain fabrica para el pequeño una carroza, a partir de una gran cacerola y un patinete, de manera que pueden ir juntos por las calles buscándose la vida. Un día Zain conoce a Maysoun, una niña de la calle que le habla de su ilusión de viajar a Suecia como refugiada. Para ir es necesario llevar una identificación, y Zain vuelve a casa de sus padres para buscar sus documentos. Ha hecho suyo el sueño de Maysoun, y lo que más desea es escapar de su destino en el Líbano.


Mon âme soeur, je te ferai justice
En Cafarnaún es interesante ver que gracias a la fuerza del niño y su ingenio se descubre una red de tráfico de personas. Es sobrecogedora la escena en la que la policía entra a rescatar a las víctimas que van a ser vendidas, ya que están en un cuartucho sin luz, en condiciones degradantes. Entre ellas se encuentra el pequeño Yonas, cuya indefensión e inocencia nos conmueve al verlo en una situación tan dura. También son impactantes las escenas de Zain en la cárcel tras vengar la muerte de su hermana, un espacio insalubre donde las personas están hacinadas, como un infierno en la tierra. Es por ello que en el largometraje los dos escenarios principales, calle-cárcel, se unen en una metáfora de la negligencia ética y moral de nuestras sociedades actuales. Según Jean-Jacques Rousseau, el hombre es bueno por naturaleza, es la sociedad la que lo corrompe.


Mis brazos son tu refugio
EN CLASE DE ESPAÑOL
Los profesores pueden proponer a sus alumnos el visionado de algunas escenas significativas de Cafarnaún para reflexionar sobre temas tan importantes como el de los niños de la calle, los refugiados, el abuso infantil y la inmigración ilegal. Para ello, sería práctico elaborar una serie de preguntas que activasen las opiniones de los alumnos, como ¿qué piensas cuando ves a a un niño solo en la calle?, ¿a qué se suele dedicar, vender pañuelos de papel o pequeños objetos?, ¿te has planteado alguna vez prestar ayuda a los niños de la calle?, ¿cómo?

L'homme est bon par nature
Le film Cafarnaún parle de la question des enfants des rues, de la maltraitance des enfants et du trafic des êtres humains.

Cafarnaún film talks about street children, child abuse and human trafficking.

PREMIOS
Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2019
Mejor Film en Idioma Extranjero en los Premios BAFTA

domingo, 12 de mayo de 2019

El drama de los migrantes

El peaje de la vida

Día tras día asistimos al drama que viven miles de personas que, de forma desesperada, intentan mejorar sus condiciones de vida a través de la migración. El cortometraje Tahrib (Gerard Vidal Cortés, 2018) muestra la dura experiencia que viven unos migrantes magrebíes al cruzar el Mediterráneo. En unos minutos nos situamos de lleno en la angustia que experimenta un puñado de personas en una playa, mientras esperan subir a una patera que les llevará a las costas europeas.


Sin garantías, ni de partir ni de llegar

La tragedia de la inmigración ilegal se agrava con la falta de escrúpulos de los mafiosos, ya que el cabecilla pide más dinero a los migrantes antes de subir a una frágil embarcación de madera. Es evidente que se trata de un precio demasiado caro para un pasaje con escasas garantías, ya que llegar al destino va a ser un milagro. El conductor de la barca, Tariq, se enfrenta indignado al líder de la banda, y se amenazan mutuamente mientras la tensión crece al límite. No hay tiempo para discutir, ya que todos pueden ser descubiertos por la policía.



Abandonados a nuestra suerte

Para echar más leña al fuego, el líder de la mafia le advierte a Tariq de que dispone de gasolina solamente para la mitad del trayecto. El espectador observa con impotencia que es cierto, el bidón que entrega a la embarcación está solamente medio lleno. Es por ello que Tariq intenta huir, escaparse de una muerte segura y abandonar a esas personas en su desgracia. Sin embargo, y a pesar de que es consciente de que la peligrosa travesía del Estrecho se puede convertir en su tumba, reacciona y sube rápido a la barca. Ha vencido en él un instinto de protección y solidaridad con los más débiles, los más desprotegidos, los migrantes.




Sin mirar atrás, Tariq
EN LA CLASE DE ESPAÑOL
La inmigración africana ilegal a las costas europeas es un drama que cobra cada día actualidad, de ahí el interés de tratarlo con los estudiantes de español. Este cortometraje ofrece la posibilidad de, en solo 11 minutos, ver una historia compleja en la que se mezclan elementos narrativos diversos que aportan intensidad a la historia: los migrantes, entre ellos niños y personas mayores, los mafiosos, Tariq (figura evocadora de la figura histórica Tariq ibn Ziyad, conquistador de la Península Ibérica). El profesor puede realizar el visionado con los estudiantes señalando los momentos más significativos del mismo, marcados por los conflictos entre el mafioso y Tariq. Una historia real contada cinematográficamente con unos potentes primeros planos y cámara subjetiva.

L'immigration africaine illégale sur les côtes européennes est un drame qui prend de plus en plus d'importance aujourd'hui. Dans ce court métrage, nous voyons des scènes des moments précédant le départ des côtes marocaines.
Illegal African immigration to the European coasts is a drama that is becoming increasingly important today. In this short film we see scenes from the moments before leaving the coasts of Morocco. 

domingo, 14 de abril de 2019

A perdonar se aprende


This is the end
El largometraje Un largo viaje (Jonathan Teplitzky, 2013) es un drama bélico basado en una historia real transcurrida durante la Segunda Guerra Mundial. En este film se presenta una dramática experiencia vivida por un ingeniero británico apasionado de los ferrocarriles. Capturado en la campaña de Singapur, el oficial Lómax fue llevado a un campo de trabajo para construir la línea ferrea entre Tailandia y Birmania. Paradojas de la vida, su pasión por los trenes estuvo en el origen de su desgracia durante esa oscura etapa de su existencia.

...hacer frente a un hombre ante el cual no podía apelar a nada

Muchos años más tarde, Lómax conoció a la mujer de su vida en un tren. Fue ella quien le animó a enfrentarse al soldado japonés que le había torturado durante la guerra, dado que tras una investigación él averiguó dónde se hallaba. Este hombre, que hacía de traductor, le había hecho sufrir terribles torturas al ser acusado de construir un transmisor mientras trabajaba como prisionero en el "Ferrocarril de la muerte". En el filme es interesante asistir al enfrentemianto de los dos jóvenes soldados de diferentes bandos: por una parte, el oriental dominado por una inexplicable y terrible crueldad; por otra, el británico que asume ser el chivo expiatorio de todo un grupo de compañeros de combate. El espectador comprende que los dos son víctimas, no hay ni vencedores ni vencidos.

"The Hollow men"

La guerra es terrible, es el fin de todo. Es por ello que al encontrarse dos viejos enemigos, al cabo de los años, se dan cuenta de que tienen algo importante en común: el horror. Juzgar es lo que nos derrota, por eso los dos hombres no se juzgan más y deciden que es el tiempo del perdón. Les ha llevado muchos años volverse a encontrar, pero ahora no volverán a perderse de vista otra vez. Es importante el mensaje que nos ofrece el largometraje, ya que nos dice que la vida se impone a la muerte y que para seguir esa ruta la única opción es dejar de lado el mal.





"El corazón de las tinieblas"

EN CLASE DE ESPAÑOL
Este largometraje nos ofrece la oportunidad de presentar en clase algunas temáticas interesantes para el desarrollo de la competencia intercultural, como la metáfora de la vida como un viaje; en Un largo viaje este recorrido vital lleva al protagonista a enfrentarse cara a cara con su enemigo y perdonarle, por ello el profesor puede proponer a los alumnos tras el visionado de alguna escena significativa (como, por ejemplo, la escena del encuentro de los dos soldados al cabo de los años) preguntas de reflexión como: en tu cultura, ¿es posible perdonar a alguien una ofensa grave?, ¿cómo se perdonan las personas?, ¿necesitan un intermediario o mediador?, ¿se puede perdonar la crueldad?

The film tells the story of a soldier who faces the trauma lived in the front as a prisoner and victim of torture.
Le film raconte l'histoire d'un soldat qui subit le traumatisme vécu au front en tant que prisonnier et victime de torture.

miércoles, 23 de enero de 2019

A flor de piel

Por el color de la piel, qué antiguo argumento
Una sonrisa de un hombre negro a un niño blanco de 10 años en un supermercado alejado del centro urbano desata una violencia inesperada. En el cortometraje Skin (2018, Guy Nattiv) dos bandas se enfrentan con saña, se trata de la expresión del odio a flor de piel. Parece mentira que hayan pasado más de 5 décadas desde el asesinato de Martin Luther King y que el racismo siga instalado en nuestras sociedades.





Es interesante en el cortometraje el retrato de un grupo de supremacistas: se trata de personas que viven al margen de la ley pero que, al mismo tiempo, defienden valores muy conservadores como el
Un día en el campo
derecho a las armas. Es impactante la escena en la que, situados en línea, el grupo al completo hace prácticas de tiro con escopetas, pistolas e incluso fusiles de asalto que son de su propiedad. Disparan contra latas y bidones vacíos que están situados sobre un viejo coche. La brutalidad del grupo es total, llega a su máxima expresión cuando uno de ellos invita a su hijo a disparar y probar puntería. Parece que es un domingo por la mañana, un soleado día en familia en el campo, lo cual añade sordidez a la situación.




Bajo la aparente normalidad, anida la violencia

Este retrato desciende hasta lo inmundo cuando vemos el estilo de vida de algunos de los miembros del grupo supremacista, en concreto los padres del niño y el menor, que viven en unas condiciones indignas (casa llena de trastos y desorden, restos de comida basura, chatarra abandonada en la puerta). Realmente, con estas escenas el espectador asiste a un elocuente retrato moral. Esta falta de valores y de respeto por sí mismos se manifiesta con el deporte que practica el padre con su hijo, un "surf" que consiste en arrastrar con su camioneta un sillón usado, yendo el niño montado sobre él.




Derribar los prejuicios
EN CLASE DE ESPAÑOL

Este cortometraje, que puede ser visionado en versión subtitulada al español, sirve como punto de partida para reflexionar en clase sobre el racismo y sus expresiones más actuales. Este tema es de una gran importancia, el color de nuestra piel todavía es objeto de controversia social, en una época caracterizada por los grandes movimientos migratorios. El desarrollo de la competencia intercultural es fundamental para no caer en prejuicios ni malentendidos, y superar el discurso racista desde el diálogo entre las personas.

PREMIO ÓSCAR 2019 AL MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN

lunes, 13 de mayo de 2013

Cine quinqui

La otra cara de la transición:
la desigualdad y la exclusión social
Las aventuras de jóvenes delincuentes fueron el centro de atención del Cine quinqui (o cine kinki), que durante los años 70 y 80 en España mostró la otra cara de la transición. En aquella época, la inestabilidad política y la inseguridad ciudadana iban de la mano y el público de la televisión se acercaba a los líderes políticos en los informativos y programas como "Informe semanal", mientras que el cine nos presentaba en primer plano a excluidos de la sociedad como "El torete" o el "El vaquilla". El Cine quinqui fue desarrollado por directores como José Antonio de la Loma (Perros callejeros) y Eloy de la Iglesia (El Pico), a quienes debemos muchas escenas memorables e imprescindibles de nuestra historia social reciente.



Un estanco no lo tiene cualquiera, tampoco
una administración de lotería, son un seguro de vida
En la película La estanquera de Vallecas (Eloy de la Iglesia, 1987) se reúnen muchos de los elementos que caracterizaron el Cine quinqui español de los años 70 y 80: la delincuencia, la droga y la exclusión social en primera persona, a través del punto de vista de los delincuentes como protagonistas totales. Así, en La estanquera de Vallecas -que está basada en la obra teatral homónima de José Luis Alonso de Santos (1981)- se nos presenta una historia en la cual la delincuencia está al servicio de la crítica social: Leandro y Tocho, albañiles que se han quedado en paro, deciden atracar un estanco para dar de comer a sus familias con el botín. Leandro y Tocho toman como rehenes a la estanquera y su sobrina Ángeles, pero entre los cuatro surge una simpatía inesperada, ¿será por conciencia de clase, a pesar de la situación?

Pues nos estamos cayendo bien

En La estanquera de Vallecas se pone sobre el tapete un problema que todavía no se ha resuelto, el de la fractura social y falta de diálogo fluido entre las clases sociales y el poder (políticos, fuerzas de seguridad, élites financieras), ya que hoy en día las conquistas a través de las cuales había conseguido afianzarse en España la clase media se están cayendo ante nuestros ojos como un castillo de naipes. Es por ello que los personajes son cercanos y de plena actualidad, aunque el telón de fondo de las drogas duras, las persecuciones en coches Seat y las camisas desabrochadas a medio pecho hayan pasado a definir sólo esta época del siglo pasado, como la voz rasgada de Patxi Andión cuya canción es la banda sonora del film.

EN CLASE DE ESPAÑOL
¡Menudo Síndrome de Estocolmo!
La estanquera de Vallecas nos permite presentar en clase muchos ejemplos de un lenguaje coloquial que todavía está en uso: "la madera", "la pasma", "los picoletos" (policía), "rajarse" (arrepentirse), "cortarse un pelo"(quedarse parado), "ir al trullo" (a la cárcel), "pegar un palo" (robar), "el tajo", "el curro"(el trabajo), "un currela"(un trabajador). Muchas de estas palabras y expresiones, que proceden en su mayoría del caló (habla gitana), han pasado a nuestro lenguaje cotidiano.
También es interesante reflexionar en clase gracias a La estanquera de Vallecas sobre la evolución de la sociedad española, que después del franquismo conoció dos décadas de profundas transformaciones sociales en todos los ámbitos. La transición es un periodo bien conocido desde el punto de vista de la política o de expresiones artísticas populares como "la movida madrileña". No obstante, no podemos olvidar otros aspectos que, aunque nada lúdicos o alegres, no fueron menos visibles y conocidos por todos los españoles.
Son especialmente interesantes en clase las primeras escenas de La estanquera de Vallecas, el visionado de la llegada de Leandro y Tocho en metro a la plaza de Vallecas y su entrada en el estanco merecen la pena, para ver la película HAZ CLICK AQUÍ.

lunes, 15 de abril de 2013

La primera vez


Mariví Bilbao, vis cómica
La primera vez que hacemos algunas cosas en la vida nos marca como personas: el primer día de colegio, la primera vez que dormimos fuera de casa, la primera vez que viajamos solos, el primer día de trabajo, el primer día que conducimos un coche, el primer beso, el nacimiento del primer hijo, la primera vez que se pierde un ser querido... estas experiencias iniciáticas suelen estar asociadas a etapas de la vida (infancia, juventud, madurez, vejez). A algunas personas les llega el momento de vivir estos hechos o acontecimientos fuera de tiempo (antes o después), lo cual social y culturalmente suele estar sancionado (en español, si es antes de su época correspondiente con adjetivos como "precoz" o "prematuro", y si es después se designa algo "tardío", incluso "anticuado"). De ello nos habla Borja Cobeaga en su cortometraje La primera vez (2001), por el que fue nominado a los Premios Goya.

Una experiencia iniciática... un poco tarde
En La primera vez se nos presenta con gran fuerza la personalidad y vis cómica de Mariví Bilbao, una actriz brillante con una inmensa capacidad para hacernos reír. Nos pone sobre la mesa la soledad de muchas mujeres que en su vida han dejado pasar muchos trenes (el del amor, el de formar una familia, el de trabajar fuera de casa), y por ello la sociedad les ha relegado a un papel de "señoras honestas", "con clase", "devotas", con un lugar muy codificado en la vida social, pero con pocos márgenes para desarrollar la vida privada. Mariví Bilbao da la vuelta a la tortilla y toma las riendas... aunque un poco a destiempo.

EN CLASE DE ESPAÑOL
Podemos reflexionar sobre las actividades que nos marcan la primera vez que las hacemos en la vida, y compararlas con las de personas de diferentes países y culturas. Seguro que las diferencias son muy grandes, tanto por la edad a la que las realizamos como por su contenido ya que, por ejemplo, en el ámbito de las relaciones interpersonales podemos comparar el noviazgo en cada cultura: ¿a qué edad se tiene el primer novio o la primera novia?, ¿se considera el primer noviazgo como un paso definitivo, anterior al matrimonio?, ¿por qué?, ¿cuánto suele durar un noviazgo? (meses, años), ¿qué tipo de actividades públicas y privadas se pueden realizar durante el noviazgo? (pasear con otra tercera persona, conocer a los padres, viajar juntos, convivir).



Siempre Mariví

La première fois que nous faisons quelques choses dans la vie c'est un événement formatif: le premier jour de collège, la première fois que nous dormons seuls dans une autre maison, la première fois que nous voyageons seuls, le premier jour de travail, le premier jour que nous conduisons une voiture, le premier bisou, la naissance du premier fils, la première fois qui se perd un être aimé... Ces expériences initiatiques ont l'habitude d'être associées à des étapes de la vie (enfance, jeunesse, maturité, vieillesse). Cependant, à quelques personnes il leur arrive le moment d'avoir ces expériences formatives en dehors de temps (avant ou après), ce qu'est très mal vu pour la société.

The first time that we do some things in our life touch us: the first day of school, the first time that we sleep out of our home, the first time that we travel alone, the first workday, the first day that we drive a car, the first kiss, the birth of the first son, the first time that we lose a relative... These important experiences are used to to be associated to stages of the life (infancy, youth, maturity, old age). To some people these experiences arrive out of time (before or afterwards), that's why people criticize them a lot.

viernes, 8 de febrero de 2013

Palimpsestos

Constantinopla 1910: lo bello y lo bestial

El magnífico corto de animación Barking Island, en francés Chienne d'Historie (Serge Avédikian, 2010) -galardonado con la Palme d'Or del Festival de Cannes al mejor cortometraje- nos presenta una cruel historia bellísimamente contada en imágenes de una calidad artística sobresaliente. Este cortometraje, coproducido por ARTE-France, combina de forma magistral acuarelas y dibujos de un expresionismo excepcional (Tomas Azuelos), con una impecable animación (Jimmy Audoin) y sorprendente composición (Frédéric Tribolet).


Vagabundos, abandonados, proscritos

En Barking Island - Chienne d'Histoire se recuerda una bestial masacre. En la Constantinopla de 1910 las calles estaban invadidas de jaurías de perros vagabundos que pupulaban por la ciudad buscando comida y refugio. Mientras sucede el drama de estos canes, los responsables políticos de un nuevo gobierno recientemente formado deciden -influenciados por el modelo de vida occidental- buscar una solución drástica a este problema de higiene pública.

Un gobierno de Oriente,
fascinado por Occidente

El Gobernador de Estambul pagó 300.000 francos para que 30.000 perros fueran deportados de la ciudad, los cuales fueron llevados a una isla -Sivriada, en el Mar de Mármara- y abandonados a su suerte. Después de este suceso, hubo un terremoto que sacudió la ciudad y hasta hoy el pueblo turco cree que fue un castigo divino.


Como muchas grandes obras, este cortometraje de Serge Avédikian, actor y director de origen armenio, es también una alegoría. En el film podemos ver en filigrana la historia de la deportación forzosa de los armenios por el Imperio otomano durante la Primera Guerra Mundial (entre los años 1915-1923). Es muy angustioso y desolador en Barking Island - Chienne d'Histoire ver a los perros nadar desesperados detrás del crucero de pasajeros, intentando salvar su vida. En estas imágenes vemos el genocidio armenio, que se caracterizó por la brutalidad de las masacres y la utilización de marchas forzadas en condiciones extremas (los civiles fueron privados de alimentos y agua), lo que llevó a la muerte a miles de personas.

Deportación canina / masacre humana
EN CLASE DE ESPAÑOL

Es importante que sepamos interpretar las obras artísticas en sus diferentes dimensiones: técnica, estética, política. En general, las obras artísticas expresan mucho más de lo que nos narran o presentan ante los ojos, sus mensajes se pueden apreciar si nos imaginamos que son como palimpsestos, como manuscritos que conservan todavía las huellas de otra escritura anterior que no ha desaparecido totalmente. En la literatura, por ejemplo, las alegorías son la forma mediante la cual los escritores escapan a la censura de su época.
- ¿Has leído alguna novela o cuento en la cual el escritor escribiera "en clave"? Lee el cuento "La casa tomada" de Julio Cortázar y reflexiona: ¿qué representa la casa?, ¿quién la toma?, ¿qué significan el hermano y la hermana en la narración?, ¿por qué tiran la llave al marcharse?, ¿dónde van los
protagonistas?
- Otro tema importante de Barking Island - Chienne d'Histoire es el del maltrato animal. Expresa tu opinión sobre el maltrato a los animales.


martes, 5 de febrero de 2013

Los otros Premios Goya: las cosas de nuestra cultura

Goyas a nuestra cultura
A punto de celebrar la próxima 27 Edición de la ceremonia de entrega de los Premios Goya, queremos llamar la atención sobre los magníficos profesionales que en el cine español contribuyen a que se conozca mejor nuestra cultura material en el mundo: nos referimos a todos los que se dedican a la dirección artística, vestuario, maquillaje, peluquería, atrezzistas... en una palabra, a los profesionales que hacen que una película refleje fielmente y sin anacronismos una época (decoradores, localizadores para rodajes, y un largo etcétera). Por ello, recordamos una de las películas de nuestro Cine Fórum Premios Goya (que realizamos en el año 2011) que refleja bien estos "otros" premios tan importantes: Camarón.


Melenas largas, patillas,
grandes gafas de sol, chaquetones: así eran

La Academia de Cine otorgó a Camarón (2005, dirigida por Jaime Chávarri) 3 Premios Goya, al Mejor Actor (Óscar Jaenada), al Mejor diseño de vestuario (María José Iglesias) y al Mejor maquillaje y peluquería (Romana González y Josefa Morales). En esta película-homenaje al célebre cantante Camarón de la Isla, se ofrece una magnífica puesta en escena de personajes y lugares perfectamente retratados en la imagen cinematográfica. Todo cobra vida en este film, parece salirse de la pantalla la vida gitana, no sólo a través de la excelente interpretación de los actores, sino también mediante sus camisas pegadas al cuerpo, sus pelos largos y grandes gafas de sol; además, qué bien se ve en Camarón el ambiente flamenco, parece que los espectadores somos el público de los cafés, salas de concierto y teatros recorridos por el cantaor y su grupo.

EN CLASE DE ESPAÑOL

Cultura gitana:"duende", tradición y vanguardia

Esta película nos ofrece una excelente oportunidad para disfrutar de una de las figuras más sobresalientes del flamenco en España, Camarón de la Isla, que fue renovador de un género y adelantado a su época. Conocerlo es una obligación para todos los que quieran conocer la cultura española. Pero también en esta película podemos apreciar con nuestros propios ojos cómo era la vida en nuestro país en los años 70 y 80, cuáles eran las tendencias (musicales, moda, artísticas):
- Piensa en tus padres o abuelos y responde, ¿cómo vestían de jóvenes?, ¿cómo llevaban el pelo?, ¿sabes lo que significan las palabras "hippie", "retro", "kitsch"?, ¿cuál es para ti una tendencia actual?
Asimismo, es muy interesante acercarse a la cultura gitana:
- ¿Conoces la cultura gitana? ¿qué sabes de los gitanos (costumbres, ritos, fiestas de boda y bautizos)? Hay muchas palabras en español que proceden de la cultura gitana, en concreto del caló (habla gitana), por ejemplo ¿qué significan las palabras "payo", "parné", "quillo"?

viernes, 1 de febrero de 2013

Mitomanía

Bruce Lee: reencarnación de un mito... versión juguete
Nuestros mitos nos acompañan en la vida, nos ponemos camisetas con su imagen, colgamos carteles con sus fotos en las paredes de casa, nos cortamos el pelo como ellos. Les adoramos, y muchos provienen del cine. En el cortometraje Le Petit Dragon (2009) el artista francés Bruno Collet nos presenta a uno de los mitos más admirados de la historia, Bruce Lee. Muchas personas en todo Occidente practican las artes marciales por la influencia de esta carismática figura oriental, una ola de seguidores que todavía continúa. A decir verdad, sus películas alcanzaron miles de espectadores en su época y aún hoy sus films son objeto de culto.

En mi camiseta
En este genial cortometraje, Bruce Lee cobra vida como juguete y gracias a él conocemos la personalidad de su propietario (un joven que vive solo, y cuyo desordenado dormitorio está lleno de fotografías de leyendas del mundo fantástico y de la acción cinematográfica como Chuck Norris; incluso, bajo la cama hay DVD clásicos de Humphrey Bogart, Lauren Bacall y Rita Hayworth entre otros muchos títulos que acumulan polvo). ¡Qué bonita la escapada en la moto estilo Steve Mc Queen! Y es que en este corto los guiños intertextuales no dejan de sorprendernos, como cuando el Bruce Lee de juguete toma la antorcha de una maltrecha réplica -de souvenir- de la estatua de la libertad para alumbrarse.

El Bruce Lee de Le Petit Dragon nos encanta, ya que emula perfectamente al famoso de carne y hueso, sólo que tiene que hacerlo desde evidentes limitaciones de juguete. Sus aventuras con los demás juguetes de la habitación nos recuerdan al universo creado en Toy Story por Pixar. Sólo que, salvando las distancias, en este cortometraje nos encontramos con una parodia inteligente que caracteriza humorísticamente -y con corazón- el mundo imaginario de tantos fans, seguidores y mitómanos de nuestros días.

¿Vela de cumpleaños o nunchaku?
EN CLASE DE ESPAÑOL
Este corto nos permite reflexionar sobre la influencia de los mitos en nuestra vida, son muchos los que podemos citar desde el Ché Guevara hasta Marilyn Monroe, Bob Marley o Mahatma Gandhi, cuyas imágenes son iconos del siglo XX. En clase de español podemos reflexionar sobre cuáles son los mitos más seguidos en la actualidad, ya que no serán los mismos en todas las culturas (la Occidental, más influenciada por el medio audiovisual).
- ¿Qué personajes legendarios conoces?, ¿a cuáles admiras?
- ¿Te gusta coleccionar imágenes de famosos?, ¿qué personajes conocidos llaman más tu atención?
- ¿Cuáles son los ídolos más conocidos en tu país (son cantantes, actores, deportistas...)?
- Cuando viajas, ¿qué tipo de souvenirs compras? ¿alguna vez has comprado una pequeña réplica o una miniatura?

Nos mythes nous accompagnent dans la vie, nous nous mettons des chemisettes avec son image, nous affichons ses photos dans les murs de notre chambre, nous nous coupons les cheveux comme eux. Nous les adorons, et beaucoup d'eux proviennent du cinéma. Dans le court-métrage Le Petit Dragon (2009) l'artiste français Bruno Collet nous présente à un des mythes les plus admirés de l'histoire, Bruce Lee. Beaucoup de personnes dans tout l'Occident pratiquent les arts martiaux par l'influence de cette charismatique figure orientale, une vague de partisans qu'encore continue.
Our myths accompany us in our life, we put us T-shirts with his image, we hang posters with their photos in the walls of our room, we cut us the hair like them. We love them, and many of them come from of the cinema. In the short film Le Petit Dragon (2009) the French artist Bruno Collet presents us one of the most admired myths of the history, Bruce Lee. A lot of people in all Occident practise the martial arts by the influence of this charismatic oriental figure, a wave of followers that still continues.

viernes, 25 de enero de 2013

Observar el cielo

Soñar despierto, con el cielo
El cortometraje de animación El sueño de Galileo (2010) de la artista mexicana Mariana Miranda nos presenta al astrónomo Galileo Galilei en el ocaso de su vida. Este corto causa una agradable sorpresa al espectador ya que, desde una estética y claves infantiles, narra con gran lirismo cómo un sabio eminente aprende de la observación y la experimentación.

Este entrañable Galileo de lana, perdón, de carne y hueso, mira al cielo desde niño y descubre las leyes que gobiernan nuestro universo subiendo hasta el árbol de la ciencia. Es muy bonita la metáfora del joven Galileo, rodando cuesta abajo una y otra vez (=experimentar), abriendo los ojos y viendo las diferentes formas de las nubes (=observar). Y todo ello a ritmo de vals y acordeón.

Un último suspiro convierte al padre de la ciencia moderna en una estrella que se integra en el cosmos, formando parte del cielo maravilloso y lleno de secretos que tantas veces observó. Si entendemos que "subir al cielo" es dejar este mundo, nadie mejor que Galileo para enseñarnos que ese cielo puede ser también un cosmos ordenado y armónico.


Telescopio para comprender,
 firmamento y conocimiento
En este cortometraje nos llama la atención la figura del científico con el telescopio en la mano, como un marinero que mira al cielo para seguir el rumbo que le llevará a buen puerto. Mirar al cielo en este cortometraje es también sinónimo de observar, de saber aprender, de aprender experimentando. La mejor forma que tenemos de aprender es la de experimentar por nosotros mismos, repitiendo una y otra vez, sacando conclusiones de nuestros errores.


EN CLASE DE ESPAÑOL
La figura de Galileo puede ser muy motivadora para los estudiantes de un idioma, ya que  la mejor forma de aprender a comunicarnos en una lengua que no conocemos es utilizarla en situaciones significativas. Aunque sepamos poco, es importante que no seamos tímidos y nos lancemos a hablar desde el primer momento.
Recuerda tus primeros pinitos con el inglés, el francés, el español, cuéntanos tus primeros experimentos, perdón, experiencias, con el idioma que empezabas a aprender.

miércoles, 23 de enero de 2013

Cambiar de vida


Una parte de mí acaba de morir y otra de nacer
En el cortometraje Sofía del cineasta uruguayo Álvaro Brechner (2005) se nos presenta una historia que a todos se nos ha ocurrido alguna vez: cambiar de vida, desaparecer, salir corriendo sin despedidas ni dramatismos... simplemente huir hacia adelante.

Para que esa idea venga a nuestra mente no hace falta vivir situaciones especiales, como le ocurre a la protagonista del corto, ya que tanto la vida cotidiana como la convivencia familiar están llenas de desencuentros que nos pueden empujar desear ser otra persona. Para ello sólo hace falta recibir una señal, como la maceta que cae delante de Sofía, y tomar una decisión. 

¿Encestar el balón o interpretar a Bach?
Los conflictos de Sofía con su padre son banales, a ella le gusta la música y a él le interesa el deporte, ¿qué puede haber más diferente que un violín y un balón? Además, Sofía prefiere estar seria, mientras que a su padre le encanta contar chistes... Incluso en programas de la televisión. ¡Qué diferentes suelen ser los padres y los hijos!

Este es un corto, más que de historias, de protagonistas. Cada personaje del corto tiene una personalidad muy singular: el exponente de todos es el novio de Sofía, un diletante cultural que pasa de la papiroflexia a la fotografía. ¿Acaso no somos todos un poco raros y singulares a los ojos de los demás? ¿Nuestras aficiones convencen a quienes nos rodean? A pesar de que el título lleva un nombre propio (Sofía=Sabiduría), es un cortometraje coral, en cuyo reparto destacan las interpretaciones de Ramón Barea (padre), Eloy Azorín (novio), Saturnino García (abuelo) y Alex O'Dogherty (presentador).


S'échapper et se rencontrer 
 EN CLASE DE ESPAÑOL
Es importante reflexionar sobre los conflictos generacionales, que existen más allá de culturas y épocas. Uno de los conflictos más frecuentes, el de padres e hijos, toma expresiones diversas según los países y costumbres. Podemos preguntarnos:
- ¿Crees que los padres pueden comprender siempre a sus hijos? ¿Por qué los padres piensan que lo mejor para sus hijos es sólo lo que los progenitores consideran? ¿Has tenido siempre un buen diálogo con tus padres? En tu opinión, ¿cuáles suelen ser los conflictos más frecuentes entre padres e hijos?
El cortometraje también nos permite reflexionar sobre el deseo de cambiar de vida, ya que todas las personas en algún momento nos hemos preguntado qué sería de nosotros si viviéramos de otra manera o si fuéramos otra persona:
- ¿Cambiarías de nombre? ¿Qué nombre te gustaría tener?
- ¿Vivirías en otra ciudad? ¿Dónde?

Dans le court-métrage Sofia d'Álvaro Brechner (2005) se nous présente une histoire qui nous est arrivée à tous quelque fois: changer de vie, disparaître, sortir en courant sans des adieux ni tristesse... simplement fuir vers l'avance.
The short film Sofia of Álvaro Brechner (2005) presents us a history that has happened sometimes in our mind: change of life, disappear, go out running without farewells neither sadness... Simply, escape to nowhere.

viernes, 18 de enero de 2013

Imaginar una artística historia de amor

Creación: imaginas una historia,
y los protagonistas son otros
El cortometraje de animación A Short Love Story in Stop Motion (2008), del excelente artista multifacético Carlos Lascano, nos presenta la historia de amor que nace en la imaginación de una niña cuando está en la escuela. Esta historia es tierna y emocionante a la vez, ya que en ella se entremezclan la fantasía, el amor y el deseo de crear como exponentes y metáforas de la expresión artística.

Este corto es sobresaliente por su original tratamiento de la imagen, ya que se logra un efecto orgánico que aporta gran singularidad al mensaje audiovisual. Se presentan al expectador imágenes de diferentes texturas en 3D mezcladas con objetos reales, lo cual otorga significación especial a los símbolos más evidentes del corto (los pájaros que vuelan libres, los árboles que echan raíces).
A dos, sinestesia

En A Short Love Story in Stop Motion también es interesante reflexionar sobre la importancia de la imagen en sus diferentes técnicas y soportes (dibujo en papel, fotografía, imagen fílmica), ya que la historia se narra a través de todos ellos, entremezclados, y por ello apreciamos una gran riqueza de matices semióticos y sinestésicos. La música de Sigur Ros "Hoppipolla" le va como anillo al dedo.

Son muchas las temáticas que nos propone este cortometraje de animación, podemos plantearnos cómo cada cultura imagina una historia de amor, ya que no significa lo mismo para todas las personas según sus orígenes y claves culturales.
- De niño, seguro que te imaginabas tu vida adulta ¿Cómo te veías de mayor, casado o soltero, en pareja o en solitario? De adolescente, recuerda si el amor se entiende igual que desde la infancia.

Sensibilidad y expresión artística, 
de la imaginación al papel
- La mayoría de las culturas contemplan la felicidad en la vida adulta como una experiencia compartida con otras personas, ¿puedes poner ejemplos (feliz en una familia, en una comunidad, en un grupo de amigos, en un equipo de trabajo)?

Otra reflexión, quizás la principal del cortometraje, sea sobre la propia creación artística. Podemos plantear qué tipo de expresiones artísticas llaman más la atención en la actualidad: el dibujo, la pintura, el grabado, el cine, la fotografía, la imagen digital... No en todas las épocas de nuestra historia ha sido igual, ya que la sensibilidad de nuestra mirada ha evolucionado a través del tiempo.

Le court-métrage d'animation À Short Love Story in Stop Motion (2008), de l'excellent artiste Carlos Lascano, nous présente l'histoire d'amour que naît dans l'imagination d'une enfant lorsqu'elle est dans l'école. Cette histoire est tendre et émouvante à la fois, puisqu'en elle se mêlent la fantaisie, l'amour et le désir de création comme exposants et métaphores de l'expression artistique.
The short film of animation A Short Love Story in Stop Motion (2008), of the excellent artist Carlos Lascano, presents us the love history that is borned in the imagination of a girl when she is at school. This history is tender and thrilling at the same time, because we can find the fantasy, the love and the wish of creation like exponents and metaphors of the artistic expression.

 

martes, 15 de enero de 2013

Tres culturas


Tánger internacional, esplendor y declive

La película La vida perra de Juanita Narboni de la cineasta marroquí Farida Benlyazid (2005) está basada en la novela homónima del autor tangerino Ángel Vázquez, publicada en 1976 y ganadora del Premio Planeta en 1962.

Este largometraje nos sitúa en Tánger, una ciudad internacional que vivió en el siglo XX años de esplendor y de declive, con la llegada de refugiados de Europa durante la II Guerra Mundial y su posterior abandono de la ciudad. En este apasionante escenario urbano vive la protagonista de la película, Juanita, hija de un inglés de Gibraltar y una española andaluza. En el film se cuenta la vida de Juanita y la de las mujeres que comparten con ella sus desventuras y anhelos: por una parte, su hermana Helena, que estudió en el liceo francés y se marchó siguiendo su destino; también Esther, su íntima amiga sefardita que, enamorada de un marroquí, vive un amor imposible; por último, Hamruch, la fiel criada árabe.

Las vidas de estas mujeres son una metáfora de Tánger, ciudad en la cual convivieron las tres culturas (occidental, árabe y sefardita) en una armonía que dio como fruto ricos intercambios artísticos y literarios cuyo alcance cultural y social llega hasta hoy en día.
 

Juanita, una española sentada en su salón marroquí
¿de dónde soy?
EN CLASE DE ESPAÑOL
El visionado de esta película en clase de español es muy interesante, ya que hay escenas muy expresivas de la convivencia de las 3 culturas. Estas escenas - en especial la del baile y canciones de las tres amigas - nos proponen muchas reflexiones como las siguientes:
- ¿Es fácil la convivencia de personas de diferentes culturas? ¿Por qué?
- En las ciudades hay barrios según la cultura de sus habitantes, hablamos de "barrio judío" y "barrio árabe", parece que a las personas les gusta agruparse según su origen cultural, ¿por qué? ¿por sus hábitos y costumbres?
- Cuando una ciudad tiene muchos emigrantes que luego se marchan, ¿cómo quedan estos espacios urbanos? ¿están bien cuidados y mantenidos o no? En tu opinión ¿qué puede causar el declive de una ciudad?
- ¿Te gusta decorar tu casa con objetos de otras culturas diferentes a la tuya? ¿por qué?